Los 10 mejores pianistas de jazz

Tanto si apoyan a un solista destacado como si tocan ellos mismos el papel principal, los mejores pianistas de jazz de la historia han desempeñado un papel crucial en la definición de los distintos estilos que hoy conocemos como jazz.

De hecho, si echas un vistazo al pasado, desde el ragtime hasta el swing, desde el bebop hasta la vanguardia e incluso más allá, el piano, que es versátil, es la base de este movimiento.

Así que, como parte de nuestra serie sobre el piano, hemos elaborado una lista no exhaustiva de los mejores pianistas de jazz de todos los tiempos.

No sólo son músicos brillantes que abarcan generaciones y subgéneros, sino que, además, cada uno desempeñó un papel importante en la evolución de la tradición del jazz.

Por supuesto, hay muchos más músicos que podríamos nombrar, pero esperamos que esta lista te ofrezca un buen punto de partida para descubrir o redescubrir a algunos de estos legendarios pianistas de jazz.

10. Bud Powell

Powell es el prototipo de pianista de bebop, y fue el primero en aplicar al piano el lenguaje de improvisación lleno de cromatismo de Charlie Parker.

Con tan sólo 10 años, ya era capaz de imitar a pianistas de zancada como Art Tatum y Fats Waller, y Thelonious Monk, que fue uno de sus primeros mentores quien le ayudó a cultivar su talento.

En 1945 fue golpeado en la cabeza por un policía, lo que contribuyó a los problemas psiquiátricos que le afectaron por el resto de su vida y además, que la calidad de su siguiente obra no fuera igual a la de sus primeras grabaciones.

Participó en varias sesiones clásicas con Parker, como los álbumes en directo The Quintet: Jazz at Massey Hall y Complete Live at Birdland.

Si tuviera que elegir a un solo músico por su integridad artística, por la incomparable originalidad de su creación y la grandeza de su obra, sería Bud Powell. Estaba en una clase aparte. (Bill Evans)

Álbum clave de Bud Powell: Jazz Giant

Estos temas en trío, con Max Roach a la batería y Curly Russell o Ray Brown al bajo, incluyen famosos solos de piano como “Cherokee” y “Celia”, original de Powell.

La serie Amazing Bud Powell, especialmente los dos primeros volúmenes, también son esenciales.

9. Herbie Hancock

Tras comenzar su carrera con el trompetista Donald Byrd a principios de los años 60, Hancock publicó en 1962 Takin’ Off , que incluía su famoso éxito “Watermelon Man” , que es sin duda uno de los debuts más impresionantes de la historia del jazz.

Durante la década de 1960 grabó una serie de increíbles álbumes, principalmente para Blue Note, como director de banda y “sideman”, y tocó el piano en el segundo gran quinteto de Miles Davis.

Este grupo también incluía a Wayne Shorter, Ron Carter y Tony Williams, y adoptó un enfoque más suelto de las estructuras y armonías tradicionales.

Más tarde, Hancock recurrió a la fusión, el funk y la música disco, con álbumes eléctricos pioneros como Headhunters y Thrust. En 2007, su álbum de versiones de Joni Mitchell (River: The Joni Letters) ganó el premio Grammy al Álbum del Año, y su variada carrera no muestra signos de desaceleración.

El álbum clave de Herbie Hancock: Maiden Voyage

Hancock sólo tenía 24 años cuando grabó este clásico de 1965.

Tiene una temática náutica e incluye temas como ‘Dolphin Dance’ y ‘Maiden Voyage’, que se han convertido en estándares del jazz.

Junto con Herbie al piano, la banda incluye a George Coleman al saxofón, Freddie Hubbard a la trompeta, Ron Carter al bajo y Tony Williams a la batería. La sección rítmica es, además, la misma que la del quinteto de Miles Davis de la época.

8. Count Basie

Count Basie es quizá más conocido como el líder de la big band que hizo vibrar a los aficionados al jazz en la década de 1940 y mucho después, pero su talento como pianista también merece ser destacado.

Fue pionero en el acompañamiento (una forma de tocar los acordes para acompañar al solista) y su forma de tocar, escasa pero eficaz, ha influido en generaciones de grandes pianistas de jazz.

7. Duke Ellington

Más conocido como el líder de la famosa Orquesta de Duke Ellington, éste es el compositor de jazz más grabado, con canciones como “Satin Doll”, “Mood Indigo”, “Don’t Get Around Much Anymore” y cientos de otros estándares de jazz.

Sin embargo, aunque no ofrecía el mismo tipo de formato instrumental que alguien como Art Tatum, también fue un pianista de jazz muy importante cuya interpretación percusiva y minimalista, influyó en Thelonious Monk y otros.

Además de sus docenas de famosas grabaciones orquestales (Ellington at Newport, The Sacred Concerts, The Far East Suite, etc.) realizó una serie de excelentes grabaciones de grupos pequeños, que muestran su estilo de piano de jazz folclórico pero, también, sorprendentemente moderno.

Álbum clave de Duke Ellington: Money Jungle

Situando a Ellington en un trío con el bajista Charles Mingus y el batería Max Roach, Money Jungle es un intrigante encuentro intergeneracional entre tres personalidades gigantescas, todos ellos grandes directores de banda.

Cuando se grabó este disco en 1962, Ellington tenía 63 años, Mingus 40 y Roach 38. Hubo tensiones entre los tres músicos durante la grabación, y algunos críticos dicen que esto se nota en la música.

Sin embargo, Money Jungle ha demostrado ser muy influyente, y muchos consideran que contiene algunos de los toques de piano de jazz más avanzados de Ellington.

Otras brillantes grabaciones de grupos pequeños de Ellington son Piano Reflections, Duke Ellington & John Coltrane y Piano in the Foreground.

6. Keith Jarrett

Keith Jarrett se interesó ya a mediados de los años 60 como joven acompañante de los Jazz Messengers de Art Blakey, el cuarteto de Charles Lloyd y Miles Davis.

Durante los años 70 dirigió dos cuartetos contrastantes:

• Su “Cuarteto Americano”, formado por Dewey Redman, Charlie Haden y Paul Motian, tocó con melodías estridentes y groovy inspiradas en Ornette Coleman y en diversas tradiciones folclóricas.
• Su Cuarteto Europeo, con Jan Garbarek, Palle Danielsson y Jon Christensen, por su parte, se centró en temas más abiertamente melódicos.

Tenía una larga relación con ECM Records y en 1983 el productor Manfred Eicher le sugirió que probara una nueva dirección.

Jarrett creó un trío con el baterista Jack DeJohnette y el bajista Gary Peacock, que se centró en estándares del Great American Songbook y del repertorio bebop, resultando extremadamente popular y grabando sin parar hasta su disolución en 2014.

También ha realizado numerosos discos como solista y es un aclamado pianista clásico y clavecinista, habiendo grabado obras de Bach, Haendel, Mozart, Shostakovich y otros.

El álbum clave de Keith Jarrett: El Concierto de Colonia

Se trata de una especie de jazz libre, en el sentido de que es un concierto de piano solo totalmente improvisado.

Pero, a diferencia de la concepción a veces disonante de Ornette Coleman, Jarrett juega con sonidos con fuertes centros tonales para crear un sonido hipnótico y muy consonante.

Resultó ser extremadamente popular, con más de 3,5 millones de ventas, lo que convirtió a The Köln Concert en el álbum solista más vendido de la historia del jazz, y en el álbum de piano más vendido de todos los tiempos.

5. Dave Brubeck

Nacido en 1920 en California, Dave Brubeck es considerado uno de los pioneros del cool jazz.

Su exitoso álbum Time Out, publicado en 1959, lo catapultó a la cima de la lista A en Estados Unidos, pero su carrera, antes y después, muestra a un talentoso músico que no se conformaba con facilidad.

A diferencia de muchos en esta lista, él es de origen clásico (su madre era una consumada pianista clásica) pero su agudo oído y habilidad para aprender a leer música lo pusieron firmemente en el camino del jazz.

El álbum clave de Dave Brubeck: Time Out.

Este álbum seminal es un pilar en la mayoría de las listas de los mejores álbumes de jazz y su éxito característico, “Take Five”, se ha puesto un lugar en el repertorio de jazz estándar.

El álbum, publicado en 1959 por Columbia Records, fue el primer disco de jazz que vendió más de un millón de copias. Cuenta con el pianista junto al saxofonista alto Paul Desmond, Eugene Wright al bajo y Joe Morello a la batería.

4. Bill Evans

Evans se inspiró en beboppers como Powell y añadió el sabor de la armonía clásica impresionista y una sensibilidad abiertamente introspectiva.

Desempeñó un papel en el desarrollo del jazz modal, tocando en “Kind of Blue” de Miles Davis, considerado por muchos como el mejor álbum de jazz de todos los tiempos.

Su grupo, con Scott LaFaro y Paul Motian, abrió nuevos caminos en el linaje de los tríos de piano de jazz. Mientras que los tríos anteriores habían colocado al pianista en primer plano, aquí Evans, LaFaro y Motian tocaronal mismo nivel, en un modo conversacional e interactivo.

Otras grabaciones notables de Evans son ‘Conversations With Myself’, que utiliza técnicas de sobregrabación poco habituales, o las sesiones de dúo con el cantante Tony Bennett.

El álbum clave de Bill Evans: Retrato en Jazz

A medio camino entre los primeros discos de la sección rítmica más directa y las clásicas pero introspectivas sesiones en directo del Village Vanguard, este primer disco en trío con Scott LaFaro y Paul Motian es una excelente introducción al estílo musical de de Bill Evans.

3. Oscar Peterson

Oscar Peterson era un showman a la manera de un Art Tatum. Al parecer, el pianista de jazz canadiense siempre se sintió inspirado e intimidado por Tatum, aunque los dos hombres se convirtieron en buenos amigos más adelante.

Al igual que Tatum, Peterson estuvo influenciado por la música clásica, especialmente por los conciertos para piano de Rachmaninoff, pero su obra se caracteriza por un sonido duro, denso y blues.

Oscar dirigió primero un trío al estilo de Nat King Cole con Herb Ellis a la guitarra y Ray Brown al bajo, pero más tarde sustituyó la guitarra por Ed Thigpen en la batería.

Realizó una serie de álbumes en los que su trío se unía a un solista invitado (Stan Getz, Sonny Stitt, Ben Webster, por nombrar sólo tres) y también apareció como acompañante en importantes álbumes como uno de la cantante de jazz Ella Fitzgerald, Benny Carter, Coleman Hawkins y Fred Astaire.

Álbum clave de Oscar Peterson: Night Train

El álbum más famoso de Oscar Peterson, grabado en 1962, cuenta con la clásica sección rítmica Ray Brown-Ed Thigpen. Night Train es muy movido y accesible, con temas bastante cortos, lo que lo convierte en una perfecta introducción para los recién llegados al jazz.

2. Art Tatum

Art Tatum era ciego de nacimiento y fue en su mayor parte autodidacta como pianista, pero está considerado por muchos como el máximo virtuoso del jazz.

Dotado de una técnica asombrosa, su forma de tocar se caracteriza por una improvisación lineal ampliamente adornada y unos movimientos de la mano derecha bastante rápidos.

También fue un innovador en la armonía que, inspirándose en la música clásica romántica, rearmonizó de forma compleja los estándares de jazz y acabó influyendo en los planteamientos de músicos de bebop como Charlie Parker y Bud Powell.

Tiempo después en su carrera, Art Tatum dirigió un trío al estilo de Nat King Cole con Tiny Grimes a la guitarra y Slam Stewart al bajo, pero sus grabaciones más conocidas se basan en la tradición característica del piano solo de zancada de James P. Johnson y Fats Waller.

Art Tatum era famoso por su capacidad para beber grandes cantidades de alcohol mientras tocaba, sin ningún efecto perjudicial para la música, pero desgraciadamente esto pasó factura a su salud y murió en 1956, con sólo 47 años.

Álbum clave de Art Tatum: Piano Starts Here

La mayoría de las obras clásicas de Art Tatum se grabaron antes de la era del LP, pero esta recopilación incluye solos clásicos de 1933 como “Tea For Two”, “Sophisticated Lady” y el famoso “Tiger Rag”, así como temas en vivo de 1949.

1. Thelonious Monk

Thelonious Monk desempeñó un papel importante en el nacimiento del bebop, participando en las famosas jam sessions de Minton’s Playhouse con Charlie Christian y Kenny Clarke a finales de los años 30, pero su forma de tocar, escasa y dispersa, es muy diferente del típico sonido de piano del bebop.

Con su enfoque único, casi infantil, los críticos y los propietarios de clubes desestimaron inicialmente a este personaje tan excéntrico, pero llegó a ser considerado un genio adelantado a su tiempo.

Es el segundo compositor más grabado de jazz, después de Duke Ellington, sus originales melodías han inspirado a generaciones de músicos y han sido objeto de docenas de álbumes con temática Monk.

Álbum de Key Monk: Thelonious Alone in San Francisco

El tercer álbum de Monk como pianista solista incluye originales y estándares, y demuestra que, a pesar de su modernismo, su forma de tocar está profundamente conectada con los pianistas de zancada de los años 20 y 30.